INTERPRETAZIONE PITTORICA E FIGURATIVA DELLA DIVINA COMMEDIA NELL'OPERA DI RAFFAELE DI MATTEO

a cura di Antonella Nigro, storico e critico d'Arte

 

​​La monumentale opera pittorico-illustrativa di Raffaele Di Matteo inerente i cento canti della Divina Commedia dantesca, si pone nella complessa, ardita ricerca di artisti che hanno inteso vestire d’immagini figurative le terzine del Sommo. Raffaele Di Matteo procede in un’analisi minuziosa ed appassionata nella quale lo studio e l’ammirazione per la versione incisa, epica e drammatica, del francese Gustave Doré ha una pregnanza notevole, oltre ad annoverare ispirazioni specifiche dall’Ottocento romantico che ha ornato di potenti slanci, fantasia iconografica, impeti del sublime e studio dell’abisso umano, narrazioni antiche e moderne. L’artista indaga il ritratto di Dante attraverso un’impostazione tradizionale, memore degli studi di Henry James Holiday ove l’autore è solennemente assiso con la “Vita Nova” tra le mani (1875) e quelli del preraffaellita Dante Gabriel Rossetti che ama raffigurarlo nel timore dell’incontro con l’amata sul ponte di Santa Trinità (1883) nella bella figura avvolta dall’abito giada e vermiglio. Affrontare l’illustrazione della Commedia ha richiesto impegno e tenacia, oltre che una preparazione letteraria e storica sugli esempi illustri che hanno preceduto Raffaele Di Matteo, dunque come Crescenzo Onofri e Filippo Napoletano, presenti agli Uffizi con opere seicentesche nelle quali Dante e Virgilio si addentrano nell’oscurità dell’Inferno tra fumi scarlatti, atmosfere livide e pesanti, ombre tanto impalpabili quanto minacciose, ostacolati e aiutati da creature mostruose quali Caronte e Gerione. Riguardo la rappresentazione di quest’ultime, Di Matteo interpreta la disperazione e l’abbandono avvilito ed infelice delle anime sul demoniaco legno pesantemente affiorante dall’Acheronte, dall’olio di Perrin (1847), mentre lo sforzo della presa, l’abbraccio con Virgilio e il timore del periglioso volo sul dorso dell’orrido gigante alato, è vicino al pathos trasfigurato da Roberto Bompiani nel 1893, calibrato tra svolazzanti lembi bianchi e carminio. La commozione derivante dalla vicenda di Paolo e Francesca, descritta nel V canto, già in Doré rivestiva più incisioni, similmente nell’artista vi è l’interesse nel raccontare il bacio, dolce e fatale, nato dalla lettura del galeotto libro, come fu per il noto olio su tela di Ingres (1819), ma l’interpretazione della tempesta infernale, dell’ardore mai pago e del dolore infinito degli amanti, nasce dallo studio di opere come quelle di Giuseppe Frascheri (1846) oggi al Gam, di Umberto Boccioni (1908) e Gaetano Previati (1912) che tra brezze delicate e corpi confusi per sempre in abbracci di fuoco, ritraggono i giovani avvinti e vinti dal desiderio in un  volo perpetuo e dannato. Lasciando il mare di vento dei lussuriosi, la toccante trasposizione di Farinata degli Uberti, che si erge dalla cintola in su per parlare con Dante, noncurante della supplizio infuocato al quale è sottoposto, è definito dall’artista in modo eroico, attinente ai celebri versi “com’avesse l’Inferno a gran dispitto”: come fu per Carlo Fontana nella sua marmorea e solenne effige dell’illustre ghibellino (1901) e nelle tele di Camille Boiry e Silvio Bicchi d’inizio Novecento, il personaggio è animato da un carisma (pre)potente che induce la maggior parte degli illustratori, compreso Di Matteo, a descriverlo in una visione vigorosa, con un impatto possente sull’osservatore, utilizzando il nero confuso al rosso vivo e all’oro brillante. Ancor più drammatico delle celebre scena del conte Ugolino che si accanisce sul cranio dell’arcivescovo Ruggieri nella desolazione della ghiaccia creata dal movimento perpetuo delle ali di Satana, le scene della morte degl’innocenti figlioli e dei giovanissimi nipoti del Conte, rinchiusi con lui nella Torre della Fame, sicuramente riempiono l’estro dei pittori, dalle tele bellissime e intense di Giuseppe Diotti, 1836, a quelle, presaghe e penetranti di Antonio Gualdi (1838), così anche Di Matteo riserva più illustrazioni a questa narrazione, ove nulla poté l’amore paterno e l’angoscia dell’ineluttabilità, mista all’infinita tenerezza, sono irrimediabilmente soverchiate dall’efferatezza e dalla crudeltà dell’uomo. Ma nell’abisso del male giace il trino Lucifero, specchio degenerato del Padre, che l’artista descrive intrappolato con enormi ali membranate, antico ricordo delle sei, nobilissime un tempo, che ebbe da Serafino: dopo la fatale perdita della Grazia, truce e torvo, è impegnato a divorar traditori come anch’egli fu. Lontano, dunque, dalle rappresentazioni iconiche di Franz von Stuck, 1889, ma simile nell’idea d’infinita solitudine, isolamento e abbandono del signore degl’angeli ribelli. Il viaggio nel Purgatorio si arricchisce di una sottile speranza, di una gioia non dichiarata ma presente, ed ecco che nelle immagini di Di Matteo bellissimo appare l’Angelo nocchiero, veloce e leggero come quello di Domenico Morelli nell’olio del 1845, oggi alla Prefettura di Napoli, la luce diventa un sentiero nel quale le anime, come la delicata Pia dei Tolomei, irradiano sentimenti di pietà e compassione per le storie commoventi e, sovente, ingiuste che le hanno colpite. Nel Purgatorio è, però, l’incontro con la misteriosa Matelda che l’artista rende in maniera quasi incorporea mentre sovrasta l’acqua della verità nella quale è immerso Dante: fluttuante sulle tacite onde del Letè e dell’Eunoè o velata di magica eburnea beltà, recante fiori e virgulti in seno, come nella versione ad olio di Albert Maignan (1881), è antica e incorrotta condizione di perfezione e felicità prima della caduta. Se la solennità del Paradiso diviene tripudio di baluginii e di beati diafani e luminosi con Piccarda Donati che, stella fulgente, anche nel noto marmo di Giovanni Bastianini (1855), è figura pregnante nell’illustrazione di Raffaele Di

 Matteo, egli, si sofferma con cura, passione e grazia nella descrizione di quest’ultimo regno dedicato al divino e alla purezza. L’artista, dunque, si pone nella scia degl’illustri che hanno affrontato un’impresa imponente come quella di dare forma e colore al viaggio dantesco, tanto fosco quanto luminoso, tanto duro quanto gratificante. Così, si passa dai disegni di Sandro Botticelli, puntuali nella resa del dettaglio su preziosa pergamena a Federico Zuccari e Giovanni Stradano che nel Cinquecento, il primo con forte ascendenza manierista, il secondo, allievo di Vasari, elaborano, disegni, bozze preparatorie e dipinti nei quali la cultura del tempo e l’interesse per la pittura fiamminga, diventano elemento importante di traduzione visiva. Il Settecento, attraverso l’arte visionaria e preromantica di Heinrich Fussli, innamorato del mistero dell’inconscio, vede congeniali le analisi più cupe dell’Inferno, ma sarà William Blake ad ammantare, ad inizio Ottocento, di genialità, innovazione e colore i cento canti della Divina Commedia, attraverso uno stile immaginario che ricerca la resa del mistico e del sovrannaturale nella sua arcana essenza. Il Novecento è dominato da Salvador Dalì, dal suo stile dissacrante, imprevedibile, ossessivo, onirico riversato anche nella lettura dipinta della Commedia che diviene archetipo dell’esperienza umana. Nel 1970 sarà, invece, ultimata l’opera d’interpretazione del viaggio nei tre regni dell’oltre, da Renato Guttuso, che non presenterà mai la figura dantesca, ma solo le visioni incontrate dagli occhi del poeta fiorentino. 
Tutti gli artisti, anche e soprattutto Raffaele Di Matteo, hanno commentato le terzine alla luce di una personale poetica creativa, attraverso immagini che dialogano col testo e, liricamente, il trascendente è divenuto tangibile, lo spirituale intellegibile.

​

SCHEDA CRITICO-ARTISTICA DEL PITTORE CILENTANO RAFFAELE DI MATTEO, ILLUSTRATORE DELLA DIVINA COMMEDIA

​a cura di  Angelo Schiavo, Critico e Storico dell' Arte.

​

C'è una grande Tradizione, anche Primordiale, di artisti che hanno sempre affrontato con profondo impegno ed illustrato la Comedia di Dante, detta divina dal Boccaccio nel "Trattatello in laude" di Dante.

Questa "scia" è iniziata, con l' Umanesimo quattrocentesco con il grande fiorentino Sandro Botticelli, proseguendo, nel tempo, con Delacroix, William Blake, Dore', Salvador Dali', Guttuso, Paladino, esponente della Transvanguardia, il cui fondatore del movimento fu il critico e storico dell' Arte Achille Bonito Oliva,  il fumettista Dell' Ott, ecc...

In letteratura, capolavori che commentano la Comedia sono lo scrittore argentino J. L. Borges che l' ha definita "il miglior libro scritto dagli uomini" nel suo saggio "nove saggi danteschi" nonché l' esoterista francese René Guenon nel suo "l' esoterismo di Dante".

E Raffaele DI MATTEO s' inserisce e si integra in questa Tradizione, che significa trasmissione, continuando e rinnovando le interpretazioni...

Interpretazioni polisemiche, cioè non meramente letterarie, ma anche allegoriche, simbolicche, esoteriche..

In questo ambito la pittura del DI MATTEO rievoca cifre neo-classiche, figurative... Il segno pittorico è lineare, delicato, trasfigurato, figure rarefatte quasi fantasmatiche che ben si conciliano con i contenuti, spesso, ombrosi, ctoni dei canti danteschi..

Dante, probabilmente, faceva parte dei Fedeli d' Amore, associazione esoterica, e lui stesso era un iniziato..Infatti la sua opera può essere intesa anche come un' opera sapienziale..

Egli, all’età di anni trentacinque assume coscienza dei suoi peccati commessi sia nella vita civile, sia in quella militare e decide di mettere ordine nella propria coscienza, rettificandola e percorrendo la via iniziatica.

Il Poeta inizia la narrazione della Divina Commedia dicendo:

Nel mezzo del cammin di nostra vita.
mi ritrovai per una selva oscura,
chè la diritta via era smarrita.

Il poeta cerca di risolvere la "selva oscura" delle sue passioni da solo, ma il suo tentativo di salire sull’erto colle fallisce, perché fu cacciato indietro da tre bestie, una lontra, un leone e una lupa.

E’ chiara l’allusione che il mondo iniziatico è regolato da precise norme. La prima prescrive la necessità di avere una guida che abbia già percorso la via.

Virgilio, il grande poeta latino, autore del capolaviro l' Eneide,  si propone d’accompagnarlo nel difficile percorso che gli farà ritrovare la retta via e per incoraggiarlo gli dice che lo ha inviato Beatrice.

Da qui inizia il viaggio iniziatico di Dante arrivando alla porta dell’Inferno...

In queste tre immagini riportate, il DI MATTEO si riferisce, ai canti danteschi, rispettivamente all' Inferno, al Purgatorio, al Paradiso..

"Ecco la fiera con la coda aguzza,
che passa i monti e rompe i muri e l' armi!
Ecco colei che tutto il mondo appuzza".

E' il canto XVII dell' Inferno...

Ossia, ecco Gerione (simbolo della frode, si dice esplicitamente e lo si chiama sozza imagine di froda) che impesta il mondo, valica le montagne e supera le mura difensive e le armi degli uomini con la sua coda aguzza, da scorpione, ecc...

I colori del Di Matteo sono espressionisti e nel Paradiso, canto DA, raggiungono tonalità chiare ed equilibrate, armoniose...che testimoniano il cammino di Dante verso l' illuminazione", ossia la Luce Divina...e appunto:

"Però che tutte quelle vive luci,
vie più lucenti, cominciaron canti
da mia memoria labili e caduci".

Cioè, poiché (però che) tutti quegli spiriti luminosi (luci), risplendendo sempre di più (vie più), iniziarono ad intonare canti, destinati a dileguarsi (labili e caduci) dalla mia memoria.

E l' artista ripercorrendo, attraverso i canti, il cammino dantesco rivive con la sua pittura tutte la fasi molteplici, ora ombrose, drammatiche, timorose ora lucenti...

E il decimo cielo, è l'Empireo, il tragitto terminale del viaggio del poeta durante il quale acquisisce un nuovo modo di vedere, un vedere intellettuale che gli permette di ammirare nella luce gli angeli, i corpi e le anime dei beati disposti in cerchio, come ben rappresentato dal Di Matteo...

​